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　　现场放映不同于以往的舞台艺术电影。舞台艺术类电影随同电影的产生很快出现，比如中国第一部电影《定军山》。电影史上，中外舞台艺术电影不乏佳作，但其属性主要遵循着电影创作的基本规律。除了一些以留存资料为目的的舞台影像记录，更多的是在摄影棚内模拟舞台并使之电影场景化——以舞台为表达元素，舞台元素服从于电影需要，甚至为此改动原剧，以电影化视听和节奏进行拍摄、剪辑。有的更是将舞台想象具象化，加入大量虚拟动画特效处理，追求意境的图解。即便是纯粹的舞台影像纪录片，也是以电影的艺术视角去展现舞台作品，舞台元素服从于拍摄安排和拍摄团队的艺术理解，在镜头可能到达的任意角度自由透射，并且不需要保持被拍摄作品的现场整一性，不需要“一遍过”。

　　现场放映发展到今天，已经成为相对独立的艺术品类。影视是它的存在形式，核心审美和内容则归属于剧场。它追求最大程度的真实还原，一切目的在于保持、凸显和丰富剧目的现场性，尊重和彰显舞台艺术的审美。拍摄工作在剧场实地实时完成，呈现同一连续时空的舞台表演，努力再现现场的真实环境、真实听视觉效果和观众的即时反应。拍摄角度是现场观众的视角，尽管采用了近景和特写等镜头手法。同时，不为影像需要而改变作品的内容、形态和节奏，后期不会采用影响舞台现场感的手段，比如虚拟场景、瞬时空间切换、高速或慢速动作、回放和声效渲染等。相反，使用后期技术的目的，是为减少影视手段介入带来的某些变形，体现更细腻真实的现场感。数字技术的介入也同样如此，如全景声完全不是为了拟造电影的情境，而是尽量还原剧院的声场。

　　但是，现场放映不是简单的现场直播或录播。现场放映的影像保持舞台的现场性，并不是两种艺术简单的组合拼贴。拍摄团队要有清晰的剧场概念逻辑和审美认知，以及相辅相成的影视表达和操控解决办法来支持；要掌握并尊重不同剧场类别和风格的属性和特色；对于具体剧目，从编剧、导演到演员、舞美，甚至所在剧场和舞台的构造规制，都要熟悉。除了观演视角外，情节和人物行动的急缓，演员的形体、表情细节乃至呼吸，人物关系的对应和变化，矛盾与气氛的张弛……现场观众所应看到的一切舞台要素都要精确反映，必须让银幕节奏与舞台节奏同频合拍。

　　这方面，初级观众（观演体验不多者）的受益往往更大。比如戏曲类作品，现场放映通过不断强调人物在特定情节和情绪中的程式化动作，提示观众注意和熟悉内容与形式的关联。再如，对于人物行动和矛盾冲突中从起点到落点的线索，以及对手角色的相互反应和群演映衬，镜头画面都直接给出交代。这对于观众来说是很好的启发，在不断累积中，欣赏水平也许就可以得到培养和成长。现场放映的这一艺术普及的优势，加之经典剧目自身的品质示范，无疑特别适合做剧场艺术启蒙的生动教材，是艺术进校园、进社区性价比极高的优选。

　　及时快捷地掌握文化动态，全方位地了解世界艺术发展现状，不仅是我们站上潮头，推广文化赢得市场的需要，也是艺术教育、学术研究和艺术守正创新的需要。艺术能生动鲜活地表达当下人们对世界的认知和探索，现场放映把国内外的佳作所代表的最新思维和理念及时落于具象，促进不同文化相互看见和相互理解。比如，文献音乐剧场《辅德里》阐释当代中国知识分子对信仰的理解，独角戏《初步举证》对位当下女性主义的思考和批判，《雷曼兄弟三部曲》展示金融风暴下人性的冷酷扭曲，莎翁经典《第十二夜》《威尼斯商人》的新解传递如何赋予传统以当代警示，时事佳作《女王召见》《致英格兰》铺染英国独特的历史文化魅力，同时也是对普遍人性的书写。

　　艺术传播与广告宣传截然不同，虽然现场放映能起到剧目推广的作用，但两者的动机、目的和意义都大相径庭。有的从业者看到现场放映的优势，便急于将自己的作品投放其中，若缺少对现场放映核心价值的理解，不考虑受众需求和市场反馈，即使模仿了样态，实质上仍无法与现场放映的公共价值、艺术价值相提并论，且极易损伤现场放映这一艺术形态的整体口碑。这个道理，如同某些作品在剧场中一直上演，但不靠观众自觉购票赢得票房，而是赠票组织观众撑场面——它一定不是真正的剧场艺术，而是借助于剧场形式开展的其他活动。